SRAS - Série « Sancta » de Nicholas Roerich

Un nouveau regard sur la série « Sancta » :Une perspective américainepar Holly McMurtryHolly McMurtry est diplômée du SRAS et poursuit actuellement une maîtrise en russe au Middlebury College .Cette communication a été présentée au Centre international des Roerichs à Moscou en 2003.

Introduction:

En 1922, alors qu'il séjournait à Chicago en tant qu'invité du directeur de la compagnie d'opéra locale, Nicholas Roerich créa une série intitulée « Sancta » composée de six tableaux : « Et nous n'avons pas peur », « Et nous travaillons », « Et nous continuons à pêcher », « Et nous ouvrons les portes », « Et nous apportons la lumière » et « Et nous voyons ». Il a été précédemment avancé que ces œuvres sont étroitement liées thématiquement à l'enseignement spirituel du grand ascète russe, le révérend Sergius Radonezhsky , pour lequel Roerich a créé un certain nombre d'autres tableaux au cours de sa vie . Cependant, compte tenu du fait que cette série a été peinte par Roerich durant l'après-Première Guerre mondiale, une période économiquement prospère mais marquée par des conflits socio-politiques et socio-culturels aux États-Unis, il est nécessaire de prendre en considération non seulement l'influence des enseignements de saint Serge sur Roerich, mais aussi le contexte culturel américain qui a façonné sa créativité à l'époque et l'a finalement conduit à peindre cette série.

Dans cet article, nous souhaitons démontrer que Roerich a peint « Sancta » afin de révéler une spiritualité qui, tout en s'appuyant sur l'une des plus grandes icônes de la culture russe, visait à mettre en lumière des valeurs spirituelles universelles qui, selon lui, avaient été oubliées par les Américains. Pour ce faire, nous présenterons un aperçu de la situation en Amérique avant et pendant son séjour, ainsi que de l'influence du contexte socioculturel de l'époque sur l'artiste. Nous nous efforcerons également de comprendre le message que Nicolas Roerich a voulu transmettre au peuple américain à travers la création de « Sancta ».

L'Amérique des années 1920

Nicholas Roerich arriva en Amérique au début d'une décennie qui allait devenir les « Années folles ». Il découvrit un pays qui venait de perdre son innocence lors de la Première Guerre mondiale, lorsqu'il devint évident que les États-Unis ne pouvaient plus rester politiquement et culturellement isolés du reste du monde. Une partie de la société, notamment la génération plus âgée, réagit à ce fait en tentant de reconstruire la barrière sociale qui existait entre les États-Unis et le reste du monde avant la guerre, instaurant ainsi un climat d'isolationnisme et d'américanisme extrêmes (voir, par exemple, la résurgence du Ku Klux Klan en 1915 et la violente « Peur rouge » de 1919 ). En outre, la législature nationale réactionnaire a adopté une série de lois absurdes, telles que le tristement célèbre 18e amendement à la Constitution (la « loi sur la prohibition » de 1920 interdisant l'alcool), qui visaient à freiner les progrès sociaux, économiques et politiques rapides de l'après-Première Guerre mondiale.

Bien sûr, ces sentiments conservateurs n'ont fait qu'inciter la jeune génération à se rebeller contre les traditions puritaines de l'époque victorienne et à se lancer dans une quête effrénée de liberté et d'émancipation, incarnée à la perfection par la « garçonne », cette femme qui affichait sa sexualité, dévoilait sa peau, fumait et buvait avec les hommes, et savourait les libertés nouvellement acquises, accordées à contrecœur aux femmes après la Première Guerre mondiale. Cette époque fut également marquée par une accélération du matérialisme, la production de masse, l'électricité, l'automobile, la radio et le cinéma devenant des éléments centraux de la culture américaine. Comme l'écrit Frederick Lewis Allen :

Chacune de ces influences diverses – la désillusion de l’après-guerre, le nouveau statut des femmes, la théorie freudienne, l’automobile, la prohibition, les magazines érotiques et confessionnels, et le cinéma – a contribué à la révolution des mœurs. Chacune d’elles, en tant qu’influence, a été amplifiée par toutes les autres ; aucune n’aurait pu, à elle seule, modifier profondément les coutumes américaines ; leur force combinée était irrésistible.

Il n'est pas surprenant que Nicholas Roerich – artiste, étudiant en philosophie religieuse et visionnaire – ait été désabusé par l'Amérique lorsqu'il a découvert l'atmosphère culturelle matérialiste et débridée du début des années 1920, où « […] tous les dieux étaient morts, toutes les guerres avaient été menées, et toute foi en l'homme était ébranlée » . À l'opposé de cette vision nihiliste, Roerich a également constaté une renaissance artistique majeure, l'esprit de liberté de l'époque encourageant les écrivains et les artistes à explorer leur créativité et à s'affranchir des conventions et des attentes traditionnelles. De fait, les années 1920 furent sans doute la décennie la plus créative de l'histoire américaine. Des dramaturges comme Eugene O'Neill ont transformé le théâtre américain, passant de spectacles de type vaudeville à des drames sérieux, un mouvement que l'on retrouve également dans l'industrie naissante du cinéma muet. Des écrivains américains installés à Paris, tels que F. Scott Fitzgerald et Ernest Hemingway, incarnaient la désillusion et le désenchantement de la « Génération perdue », tandis que des écrivains basés aux États-Unis, comme William Faulkner, et les auteurs afro-américains de la « Renaissance de Harlem », capturaient l’ardeur révolutionnaire de l’époque. De même, le réalisme sombre des peintures d’Edward Hopper et les œuvres passionnées et érotiques de sa contemporaine Georgia O’Keeffe symbolisaient davantage le dualisme inhérent à la culture américaine de l’époque. Même des mouvements artistiques européens comme le surréalisme, l’Art déco, le cubisme, l’expressionnisme et le dadaïsme, longtemps exclus du courant dominant américain, connurent un essor considérable dans le paysage artistique des années 1920, à tel point que le sculpteur français Gaston Lachaise s’installa en Amérique, convaincu que « le terreau le plus fertile pour la continuité de l’art se trouve ici »

Cette nouvelle vague de développement culturel a engendré de nombreuses divergences et conflits au sein du milieu socioculturel américain. Nicholas Roerich ressentait vivement les conséquences néfastes de l'extrême pragmatisme américain qui entravait le développement spirituel et culturel. Zinaida Litchman, sa future assistante, se plaignait à l'artiste : « … qu'en Amérique, on traite l'art comme un commerce et qu'on cherche le profit à tout prix, et que les jeunes ne s'intéressent ni à la peinture ni à la musique. » Roerich était particulièrement préoccupé par le désintérêt de la jeunesse américaine moyenne pour l'art. Il pensait que l'importance accordée par cette génération à la découverte de soi était en réalité une quête de quelque chose de plus profond et de plus concret, et que l'art était la clé de cette plénitude intérieure. Il écrivait : « La lumière de l'art illuminera de nombreux cœurs d'un amour nouveau. Ce sentiment viendra d'abord inconsciemment, puis il purifiera toute la conscience humaine. Et combien de jeunes cœurs sont en quête de vérité et de beauté ! » Ces convictions ont conduit Roerich à défendre la création de plusieurs institutions culturelles en Amérique, notamment l'Institut d'art unifié, le Centre culturel international « Corona Mundi » (La Couronne du monde) et l'Union des artistes « Cor Ardens ». L'objectif principal de ces institutions était l'unification des peuples par l'art, car Roerich croyait que l'art, à sa manière, est la lingua franca universelle.

Ces fondements représentaient la réponse de Roerich aux besoins culturels et spirituels américains d'une figure sociale également soucieuse de spiritualité, tandis que la création de la série « Sancta », ainsi que des tableaux individuels tels que « Le Pont de la Gloire » et « Méditation », répondaient à ces mêmes besoins en tant qu'artiste. Selon un spécialiste, les peintures de Roerich du début des années 1920 sont « plus lumineuses, plus claires et plus éthérées » . En créant la série « Sancta », Roerich renouait avec les racines morales de sa propre culture – c'est-à-dire avec les enseignements de saint Serge Radonège – afin de promouvoir la renaissance des valeurs morales en Amérique et de stimuler le développement spirituel et culturel.

Les expositions américaines des œuvres de Roerich furent accueillies avec enthousiasme et firent sensation. Dans le contexte de la Peur rouge, qui dépeignait les Russes comme de « hideux bolcheviks à la barbe hérissée » une Russie totalement nouvelle et inconnue apparut en Amérique grâce à cette série. En effet, aucun artiste n'était jamais parvenu à exprimer toute la profondeur de l'âme russe avec autant de justesse que Roerich dans ces tableaux. Comme l'écrit P.F. Belikov :

Avec ces toiles, Roerich recrée la nature et l'architecture russe antique de sa patrie, si chère à son cœur. Des scènes de la vie des ascètes russes se déploient sur ces fonds. Leur labeur simple et leur pureté spirituelle sont rendus avec une telle force, une telle sincérité, que ces peintures continuent d'émouvoir les spectateurs, même des décennies plus tard. Déjà à l'époque, elles furent une révélation pour les Américains. Nostalgique de sa terre natale, Roerich louait la force morale de son peuple, l'harmonie de la vie en communion avec la nature, le travail paisible et l'humanité.

Cependant, l'objectif ultime de l'artiste en peignant cette série n'était pas de redéfinir la perception américaine des Russes en tant que tels. Roerich cherchait plutôt à combattre la montée du matérialisme et de l'isolationnisme aux États-Unis en projetant des valeurs morales et culturelles qu'il considérait comme universelles.

La série « Sancta » :

Dans cette perspective, la série « Sancta » peut être perçue comme un ensemble de six tableaux unifiés par les idéaux élevés d'actes humains à la fois terrestres et symboliques sur le plan spirituel. Leurs titres mêmes offrent un aperçu des horizons des actes héroïques spirituels vers lesquels tendait la recherche artistique de Roerich. Le « Et nous… » qui les unit exprime non seulement leur appartenance à une même série, mais attire également l'attention sur la signification profonde de l'universalité, de l'unité et de la collaboration. De même, ces mots établissent un lien entre le présent et le passé, entre nous et les moines représentés, entre l'Amérique des années 1920 et saint Serge du XIVe siècle.

Tableau « Et nous ouvrons les portes »

Ce thème de la spiritualité universelle se manifeste à plusieurs égards dans la série « Sancta ». Par exemple, dans « Et nous ouvrons les portes », Roerich exprime le thème de l’ouverture, thème que saint Serge a incarné par sa vie. Les portes divisent le tableau en deux plans compositionnels et conceptuels. Symbolisant la frontière entre le monde terrestre (le premier plan du monastère encore plongé dans l’obscurité) et le monde céleste (l’arrière-plan, de l’autre côté des portes, illuminé par le soleil levant), cette division permet au spectateur de ressentir précisément le passage des « portes sacrées » vers le monde spirituel. Parallèlement, le tableau semble nous rappeler la nécessité de rester ouverts au monde extérieur. On peut y voir une réaction au mouvement isolationniste croissant dans la culture américaine de l’époque.

Tableau « Et nous continuons à pêcher »

De même, « Et nous continuons à pêcher » aborde la valeur universelle de la collaboration dans la poursuite d'un objectif commun. En observant les moines – leurs postures tendues, anguleuses et quelque peu artificielles – le spectateur perçoit toute la difficulté liée à la coordination des actions lors d'un travail collaboratif. Sur une embarcation si exiguë, il suffirait que l'un d'eux perde sa concentration pour non seulement mettre les autres en danger, mais aussi compromettre leur cause commune. La conscience de leur implication dans un objectif partagé les aide à persévérer dans leur dur labeur, tout en leur faisant comprendre qu'ils ne peuvent affronter les épreuves de la vie qu'unis. Ce thème était particulièrement pertinent dans le contexte sociopolitique américain des années 1920, car le débat sur l'adhésion à la Société des Nations faisait toujours rage depuis son rejet par le Sénat américain en 1920. Bien que pertinent pour la situation américaine de 1922, ce thème découle également de l'importance accordée par saint Serge à l'obligation personnelle dans la poursuite d'une fin commune.

Tableau « Et nous apportons la lumière »

Le tableau « Et nous apportons la lumière » exprime un thème similaire de service à l'humanité. Dans cette scène, les murs d'un monastère sont représentés dans la pénombre du crépuscule. Au plus profond du monastère, de faibles lueurs émergent des ténèbres et semblent s'intensifier à mesure qu'elles se rapprochent du spectateur. Ce sont les flammes des bougies que tiennent les moines. À un premier niveau, ce tableau symbolise les moines apportant leur ministère et leurs enseignements au monde dans une humilité silencieuse. En quittant le monastère, ils sacrifient la sécurité de leur environnement familier et pénètrent dans un monde d'obscurité, guidés seulement par la lumière qu'ils portent. Il est important de noter ici que saint Serge est depuis longtemps associé en Russie aux mots « lumière » et « flambeau ». Comme l'écrit Borisov : « Il devint pour ses contemporains une véritable lumière, un homme capable de soumettre toute sa vie aux commandements évangéliques d'amour et de communion. » Avec ce tableau, Roerich encourageait probablement l’Amérique à laisser derrière elle ce qui lui était familier et à s’étendre au-delà de ses frontières afin d’offrir au monde le grand potentiel qu’elle avait à offrir.

Les trois premiers tableaux évoqués ci-dessus abordent des thèmes interdépendants – l’ouverture, la collaboration et le service – et constituent sans doute des réactions à l’isolationnisme et à l’« américanisme » que Roerich a observés lors de son séjour à Chicago. Le reste de la série change de thématique et semble se concentrer davantage sur les conflits internes à la société américaine.

Tableau « Et nous n'avons pas peur »

Par exemple, dans « Et nous n’avons pas peur », Roerich semble encourager ses spectateurs à être courageux et à avoir foi face à l’incertitude et au chaos, suivant une fois de plus les enseignements de saint Serge , qui disait à ceux qui souhaitaient entrer à l’ermitage : « Le Seigneur ne vous livrera pas à une tentation supérieure à vos forces. Aujourd’hui, nous sommes remplis de tristesse, mais demain notre tristesse se changera en joie, et personne ne pourra nous ravir cette joie. Soyez courageux, soyez courageux, peuple de Dieu ! »

Dans ce tableau, un moine âgé et un jeune moine se font face sur fond de paysage hivernal russe au crépuscule. Les douces nuances de rose et de bleu clair de la neige procurent au spectateur une impression de calme et d'harmonie, en accord avec le monde intérieur des moines. Pourtant, ce n'est qu'une première impression. Le tableau révèle peu à peu une lutte intense et un équilibre spirituel qui en découle. Le reflet rose vif du soleil couchant teinte les pentes enneigées de la montagne à l'arrière-plan d'un lilas inquiétant, tandis que les ombres d'un violet profond qui rampent sur le flanc de la montagne accentuent le sentiment d'inquiétude. Le rythme saccadé des ombres et les formes indéfinies qu'elles dessinent évoquent la présence de forces chaotiques.

À une époque où le mode de vie américain connaissait des bouleversements profonds, Roerich ressentait sans aucun doute les forces chaotiques à l'œuvre au sein de la culture américaine. Il percevait sans doute la polarisation extrême entre la génération plus âgée et conservatrice (le « vieux moine ») et la jeune génération débridée (le jeune moine) comme une réaction de peur face à l'évolution rapide de la société américaine de l'après-Première Guerre mondiale. À travers cette scène de « Et nous n'avons pas peur », Roerich exhorte les Américains à ne pas céder à la peur face au chaos et à l'incertitude qui les entourent, mais à rechercher l'harmonie et l'équilibre spirituels.

Tableau « Et nous travaillons »

Dans « Et nous travaillons », Roerich exprime l'enseignement du révérend Sergius selon lequel le simple labeur physique est le fondement de la perfection spirituelle et morale. De plus, il semble remettre en question la conception pragmatique américaine selon laquelle le but du travail est le gain matériel plutôt que l'atteinte de la satisfaction spirituelle. Dans cette scène, les moines quittent le monastère perché sur une colline, portant jougs et seaux, tôt le matin, alors que le ciel est baigné de la lumière dorée du soleil. Courbés sous le poids des jougs, ils accomplissent leur tâche d'apporter de l'eau au monastère en descendant lentement et sereinement vers la rivière. Cependant, malgré la difficulté de leur labeur, ils peinent sans se plaindre, sachant que leur travail, en apparence insignifiant, est en réalité vital pour le bien commun.

Ce sentiment d'accomplissement est transmis par l'artiste grâce aux couleurs et aux lignes. Le regard du spectateur est immédiatement attiré par le jaune éclatant qui inonde la toile. À l'image de cette lumière omniprésente, des sentiments d'harmonie, de paix et de spiritualité émanent de l'intensité du labeur des moines. Les lignes fluides de la rivière sinueuse, les silhouettes courbées des moines et les jougs en forme de croissant se retrouvent dans les courbes arrondies des collines. Le rythme linéaire de ces éléments confère légèreté et mystère aux tableaux et contribue à communiquer un sentiment d'équilibre, de calme et de satisfaction quotidienne.

Tableau « Et nous voyons »

Enfin, dans « Et nous voyons », l'artiste présente au spectateur l'aboutissement symbolique du cheminement spirituel entrepris par tous ceux qui adhèrent aux vérités universelles exposées dans l'enseignement de saint Serge . Il le fait en représentant une vision céleste – une référence évidente aux nombreuses apparitions célestes que saint Serge , selon son biographe, a reçues tout au long de sa vie. Le point focal de cette peinture est la représentation du visage du Sauveur incréé. Il est achevé de manière iconographique traditionnelle sur un manteau dévoilé par un ange. Ce qui frappe le plus dans le visage du Sauveur, c'est le regard de ses yeux omniscients – bienveillants, humbles, mais aussi rigoureux et pénétrant profondément l'âme du spectateur. À l'instar du moine stupéfait par la vision céleste dans la partie gauche du tableau, le spectateur éprouve des difficultés à détacher son regard de l'image du Sauveur. C'est comme si tous les espoirs et les rêves de celui qui cherche une transformation spirituelle étaient concentrés dans cette image.

Pour le moine, la vision du visage du Sauveur marque l'achèvement de son cheminement spirituel. Grâce à sa diligence, sa patience et son amour pour l'Être supérieur, ce cheminement devient enfin une réalité. De plus, les préceptes liés à l'Être supérieur acquièrent clarté et validité. Cette apparition céleste aide le moine à comprendre que toutes les épreuves endurées n'ont pas été vaines. Chacun de ses actes prend désormais sens et force. À l'instar du tableau « Et nous peinons », la couleur dorée, uniformément répartie, évoque un sentiment de sainteté et de plénitude spirituelle. Bien que d'inspiration chrétienne, le thème de l'« accomplissement » – c'est-à-dire la finalité d'une quête – est en réalité universel. Avec ce tableau, Roerich rappelle au peuple américain, dont beaucoup avaient rejeté la morale et la spiritualité, qu'il existe un « sens » à la vie – une raison d'être spirituelle – et que celui-ci s'acquiert et se comprend à travers les idéaux encapsulés dans les enseignements de saint Serge et exprimés visuellement dans cette série.

Conclusion

V. M. Sidorov once said of Roerich: "His great service is that he gave Americans eyes to a new understanding of the culture of the Russian people. The paintings themselves, composed on the subjects of ancient Russian history and folklore, full of symbolism and philosophical depth, were unique messengers of Russia." While undoubtedly correct, we must not forget that Roerich painted "Sancta" for an American audience that was not familiar with Russian history and folklore and certainly would not have known about the life and teachings of the Reverend Sergius Radonezhsky. However, he painted this series believing that the spiritual teaching of a 14th century Russian saint could have an effect on a materialistic American public of the 1920s because of their universality. Out of this duality between Russian and American, past and present, and heavenly and earthly, Roerich was able to create something new – the series "Sancta" – which was meant to serve as a Hegelian 'synthesis' for the extreme social, political, and cultural conflicts of his audience.

This new interpretation of "Sancta" sheds a different light not only onto the series itself – taking it from a purely Russian to an ecumenical level that transcends chronological and spatial boundaries – but onto the artist as well, adding another dimension to the depths of his persona. So much is concentrated on Roerich's time in India and how his life and work became a combination of Russian and Indian that the synthesis of Russian and American has been largely ignored until now. Although his time in America was short, only three years, the impact was great, as demonstrated by the series "Sancta." Further research is needed in order to discover to what extent this Russian-American synthesis affected Roerich's other paintings of the period and how it played out in his later life and work. Regardless of what such future studies may show, it is unquestionable that the universal values portrayed in "Sancta" appealed to a conflicted American audience in the 1920s and, as such, may continue to appeal to the polarized American society of today. As such, Roerich gave not only to America, but to the world, a true monument of art that deserves greater acknowledgement in these troubled times.

Source

• McMurtry Holly . « Un nouveau regard sur la série « Sancta ». Une perspective américaine ».
  École d’études russes et asiatiques (SRAS) . Archives . En ligne. Consulté le 21 septembre 2017.
  Museum Studies Abroad (SRAS) . En ligne. Consulté le 19 mars 2021.

Licence

• Droits d'auteur © SRAS . École d'études russes et asiatiques. Avec l'aimable autorisation de SRAS.

Note

• Renee (Stillings) Huhs. « L’École d’études russes et asiatiques change de nom et lance un site web entièrement mis à jour ». 10 janvier 2019. Site web de l’École d’études russes et asiatiques . Archives . [Consulté le 9 juillet 2021]